Guide de visite

En 2015, nous étions tous deux inscrits dans nos programmes respectifs de Bachelor aux Beaux-Arts ; Nathalie à la Haute École des Arts de Zurich et Stefan à l'Académie des Beaux-Arts de Novi Sad, en Serbie. La même année, nous avons été sélectionnés pour participer au projet artistique de dix semaines Baushtellë : Balkan Temple - What do you believe in ? qui s'est déroulé à Zurich, Belgrade et Priština. Le projet a rassemblé 40 artistes des trois villes. C'est là que nous nous sommes rencontrés pour la première fois, que nous avons créé notre première œuvre artistique commune en tant que duo (1+1=3) et que nous avons exprimé le souhait de continuer à travailler ensemble, un souhait qui s'est depuis transformé en une collaboration de dix ans.

Depuis l'été 2015, notre pratique artistique a évolué à travers plusieurs phases : de 2015 à 2017, nous avons travaillé à distance entre la Suisse et la Serbie ; en 2017, nous nous sommes tous deux inscrits au programme de Master en Beaux-Arts de la ZHdK, auquel nous avons postulé et que nous avons terminé ensemble en 2020. Depuis lors, nous sommes basés à Zurich, vivant et travaillant en duo dans le domaine des arts visuels.

Nous sommes profondément reconnaissants que notre collaboration ait pu voir le jour et perdurer. Construite sur une confiance mutuelle, elle est façonnée par un engagement partagé, soutenue par une générosité extérieure et aidée en cours de route par un peu de chance.

Les thèmes centraux de notre pratique concernent les questions sociales et structurelles au sein du système artistique, ce du point de vue des artistes émergents. Grâce à des approches transdisciplinaires et collectives à l'intersection de l'art, de l'activisme et de la société, nous cherchons à questionner et à remettre en question les réalités du domaine de l'art, afin de mettre en lumière et de défendre des conditions de travail plus justes et plus durables. Nos concepts se matérialisent à travers des situations, des performances, des mots et des objets.

« L'art n'est pas un miroir que l'on tend à la réalité, mais un marteau avec lequel on la façonne. » (B. Brecht)

Nos différences et nos similitudes peuvent être à la fois une force et un défi, selon la situation, le contexte et les perspectives subjectives. Elles ont le potentiel de générer à la fois du bon et du mauvais art, si l'on croit qu'une telle distinction existe. Lorsque nous ne sommes pas d'accord, nous essayons de comprendre le point de vue de l'autre. Le désaccord est une pratique d'écoute. Chaque désaccord est l'occasion d'accéder à une nouvelle perspective, de comprendre ou d'apprendre quelque chose.

Lorsqu'il s'agit de décider ensemble, nous nous efforçons de mettre en place un processus de prise de décision fondé sur le consensus. Nous nous efforçons d'équilibrer les intérêts des deux individus (Nathalie et Stefan) et ceux du collectif (Stirnimann-Stojanovic). Notre collaboration artistique pourrait être décrite comme un « projet d'accord » permanent, continuellement révisé au fil du temps en réponse au besoin évolutif de continuité ou de changement. Cela dit, bien sûr, ce n'est pas toujours facile.

Au-delà de la « paternité/maternité partagée » de nos œuvres, nous avons nourri divers autres « biens communs partagés » depuis presque le premier jour. Nous maintenons un « pot commun » dans lequel nous versons diverses ressources – moyens financiers, réserves d'énergie, compétences, connaissances et autres – que nous jugeons toutes aussi importantes les unes que les autres.

Au fil du temps, nous avons développé un sens de la quantité de chaque ressource nécessaire pour maintenir ce « pot », et en nous fiant à notre intuition (connaissance intrinsèque), nous y puisons selon les besoins, en vérifiant toujours l'un avec l'autre pour assurer un équilibre sur lequel nous sommes tous les deux d'accord. Lorsque cet équilibre est rompu, nous avons constaté que les « périodes d'essai » pour de nouvelles approches peuvent être un moyen utile de mettre en œuvre le changement.

Nous « vivons » notre réalité commune grâce à une combinaison d'accords oraux et de contrats écrits qui renforcent notre compréhension mutuelle. Il est important pour nous de réfléchir non seulement à la manière dont nous partageons aujourd'hui, mais aussi à la manière dont nous pourrions partager différemment – ou moins – à l'avenir.

Nous aimons considérer notre pratique artistique mutuelle comme notre « troisième corps », un organisme en évolution qui est nourri de substance et dont on prend soin.

« Chère pratique artistique, nous te souhaitons une vie longue et prospère. »

Nous avons tous trois étudié à l’ECAL, dans la section média et design d'interaction de la filière communication visuelle, une section à la frontière entre l’art, le design et la technologie. Nous avions également envie de questionner ces technologies à travers l’art, plutôt que de les appliquer directement dans un contexte industriel.

Laura et Marc ont fondé Fragmentin en 2014, à la sortie de l’ECAL, et David a rejoint le collectif en 2017, après avoir effectué un Master au Royal College of Art à Londres.

Fragmentin questionne l’impact des technologies sur notre quotidien, en particulier leur vocation à en prendre le contrôle. Nos œuvres sont souvent conçues comme des espaces de discussion autour de thèmes et d’enjeux contemporains cruciaux, tels que le changement climatique.

Nous avons également une fascination pour les infrastructures : leur esthétique, mais aussi leur rôle dans notre société. Par exemple, notre dernière œuvre en date, Markers, est une sculpture monumentale de 17 mètres, fixée sur un pylône d’une ligne électrique à haute tension. Une première en Suisse.

Nous aimons amener l’art hors des murs, que ce soit sous forme d’expérience en ligne, en montagne, dans l’espace public urbain ou dans une église.

Nos points communs sont essentiels. Nous avons des références proches sur lesquelles nous nous basons. Nous avons une éducation similaire, qui nous permet de dialoguer en détail sur l’art et le design, et des sensibilités très proches quand il s’agit des sujets à aborder dans nos œuvres: notre vision critique de la technologie, notre amour des paysages et de la nature, notre envie d’apporter une touche de réflexion aux enjeux contemporains de société, notre vision politique.

Nos différences sont essentielles aussi. Car au lieu de proposer une vision unique et une seule porte d’entrée aux visiteurs de nos œuvres, nous arrivons à chaque fois à cumuler les points de vue, à suggérer de multiples manières d’aborder nos projets. Nous imaginons nos œuvres comme des espaces de questionnement et de dialogue, et ce dialogue naît au moment où nous commençons à travailler ensemble. Nous évitons aussi de nous enfermer dans un style précis d’artiste et aimons expérimenter avec de nouvelles matières et de nouveaux médiums. Notre nom, Fragmentin, représente bien cette idée de fragments qui composent une œuvre.

Ce n’est pas toujours simple et la frustration peut facilement s’installer. Mais à force, nous nous faisons confiance, nous apprenons à lâcher prise. Fragmentin n’est pas un collectif, c’est un cerveau à trois facettes et chaque projet nécessite le travail conjoint de chacun·e. Cela évite qu’un projet existe sans l’un·e de nous trois et que notre pratique continue de tous·tes nous porter et de nous inspirer. En cas de réel désaccord, un consensus démocratique vient sauver n’importe quelle situation.

Nous avons décidé de travailler sous le nom de Fragmentin et non sous nos trois noms propres, pour appuyer le fait que nous exerçons toujours en trio. La paternité/maternité partagé·e de nos œuvres est une composante essentielle depuis le début de notre parcours artistique et elle est très importante pour nous. Fragmentin est constitué en association et cette paternité/maternité est également régie au travers de nos statuts. De manière générale, nous veillons à maintenir une certaine équité dans notre communication, par exemple lors de conférences que nous animons à trois ou en alternance.

Nous envisageons de continuer à développer notre pratique commune et à collaborer sur de nouvelles pièces. Nous aimerions développer davantage l’aspect sculptural et exposer de nouvelles pièces de manière permanente à l’extérieur, comme notre pièce Global Wiring, installée à Verbier depuis 2022, dans le parc de sculptures de la fondation 3D Verbier.

Hormis les installations de grande envergure, nous développons aussi de plus petites pièces, afin d’expérimenter de nouvelles formes d’expressions, de tester de nouveaux supports et de rendre notre travail également accessible à d’autres publics. Dans ce contexte, nous avons initié en 2024 de premières collaborations avec des galeries (Wilde Gallery à Genève et Artemis Gallery à Lisbonne).

En parallèle de notre pratique artistique sous le nom de Fragmentin, nous coopérons aussi au sein de INT studio Sàrl, un studio actif dans la scénographie et le design d'expériences interactives et digitales pour la culture, que nous continuons aussi à développer.

Notre collectif est né d’une amitié. À une époque, nous vivions toutes les quatre à Lausanne. Certaines étudiaient à l’université, d’autres terminaient leurs cursus en école d’art. En 2022, un appel à projets pour une résidence interdisciplinaire art-science dans le Val d’Hérens nous a donné l’envie de postuler ensemble. C’est à ce moment-là que MALM est né.

Notre candidature n’a pas été retenue, mais nous avions développé un projet qu’il nous tenait à cœur de concrétiser. Alors, nous avons décidé d’organiser une résidence par nos propres moyens. L'été suivant, en 2023, c’est dans une autre vallée que nous avons finalement travaillé, autour du concept d’écotones. MALM est donc un jeune collectif, et notre premier projet abouti s’intitule Écotones.

Au départ, nous avons été intriguées par la notion d’écotone — ces zones de transition entre deux écosystèmes. Cette idée de frontière, de passage, résonnait aussi dans notre manière de croiser différentes disciplines. Sur le terrain, cette thématique assez ouverte s’est affinée au contact du paysage : nous avons exploré concrètement les transformations environnementales en montagne, en particulier dans les zones de transition. Mais c’est surtout la méthode — empirique, collective, enracinée dans l’expérience directe — qui a guidé notre travail.

Ce qui nous rassemble, c’est une envie commune de créer, d’explorer, de questionner. Nous venons de formations variées : photographie, biologie, cinéma, arts visuels. Chacune apporte ses compétences spécifiques, ce qui est à la fois une force et un défi. Nos approches parfois opposées — certaines préfèrent expérimenter d’abord, d’autres conceptualiser avant de faire — ont donné lieu à de nombreuses discussions.

Ces allers-retours entre action et réflexion ont finalement nourri le projet. Nos meilleures œuvres sont nées d’un mélange de jeu, d’intuition et d’envie de faire ensemble.

Quand les désaccords surgissent, on en parle beaucoup. Ce qui revient souvent, c’était la question de la place de l’art et de la science dans notre démarche.

Nous avons choisi de signer collectivement nos œuvres, même si certaines pièces ont été plus portées par l’une ou l’autre. Il y a une forme de comaternité du projet : chacune a contribué avec son médium, sa sensibilité, son regard. Finalement, nous nous sentons toutes autrices du projet dans son ensemble. Le travail s’est construit de manière horizontale, et nous nous considérons comme les quatre coparentes d’Écotones.

Nous souhaitons poursuivre cette aventure collective. Plusieurs pistes de résidences et de projets sont en réflexion. Pour l’instant, la principale difficulté est d’arriver à faire coïncider nos agendas et nos lieux de vie. Mais l’envie de continuer à créer ensemble est bien là.

Jonathan : Alors que nous travaillions ensemble sur un projet.

Joschi : J'ai rencontré Joc à l'internat quand j'avais 11 ans, et l'art constituait une part importante de notre temps. Plus tard, Joc a rencontré Jon lorsqu’ils étudiaient ensemble.

Jocelyn : C'est probablement l'amitié qui nous a rapprochés au départ. Jonathan et moi nous sommes rencontrés au Chelsea College of Art de Londres. Pendant cette période, nous avons collaboré sur un certain nombre de projets. Nous nous entendions très bien et nous étions enthousiastes à l'idée de travailler dur sur des projets, car nous voulions vraiment tirer le meilleur parti de notre formation. Comme Joschi l'a déjà mentionné, lui et moi sommes allés dans un pensionnat où nous avons inventé des choses qui, à l'époque, n'étaient pas considérées comme de l'art, mais qui, avec le recul, étaient des distractions créatives et ingénieuses pour échapper à l'ennui, à la solitude et à la dureté d'une routine monotone.

Jonathan : L'existentialisme et ...

Joschi : Le thème de la collaboration. Nous explorons également la manière dont les souvenirs changent sous l'influence du temps.

Jocelyn : Les relations interpersonnelles et la manière dont l'expérience de ces relations façonne la compréhension que nous avons de nous-mêmes et, par extension, du monde qui nous entoure. Avec une influence des idées et des pratiques psychanalytiques sur cette ligne de pensée.

Jonathan : Bien n'est pas assez bien. Lorsque nous ne sommes pas d'accord, nous poursuivons la conversation. C'est du moins le scénario idéal.

Joschi : Nous avons des similitudes, mais nous partageons aussi nos différences. Nous essayons d'aller au fond des choses...

Jocelyn : Ce sont souvent nos différences qui font de l'art, car elles nous obligent à nous confronter à des décisions difficiles, ce qui donne lieu aux expériences les plus uniques et les plus mémorables. Néanmoins, rire et prendre des saunas ensemble sont deux choses qui nous lient, ainsi que notre long passé commun.

Jonathan : Il n'y a qu'un seul auteur « jocjonjosch »

Joschi : D'accord !

Jocelyn : Le début de la création d'un travail est souvent la phase la plus difficile du processus, lorsque nous avons chacun des pensées légèrement différentes sur le même sujet et que nous nous sentons probablement encore assez séparés. Les idées vont et viennent, beaucoup sont rejetées, mais des fragments subsistent jusqu'à ce que le chemin que nous parcourons soit un patchwork de chacun d'entre nous et qu'il ne soit pas facile, ou utile, d'identifier qui a contribué à quoi. Et c'est un chemin auquel je me sens attaché.

Jonathan : On va arriver à quelque chose.

Joschi : Trois vieux hommes ridés qui collaborent toujours, toujours de bons amis.

Jocelyn : Un avenir de croissance et de changement. Et ce, en relevant les défis qu'apporte le travail en groupe, car c'est ainsi que l'on évolue et que l'on fait un travail qui a du sens. Et toujours des saunas ensemble.

Notre collectif est né d’une rencontre picturale lors d’une exposition commune en 1997. Très vite, nos centres d’intérêt, venant de deux cultures différentes, se sont développés autour de perspectives possibles multiples qui ont enrichi nos réflexions et actions. C’est de ce constat qu’est né l’Institut créole, basé sur les recherches d’Édouard Glissant, romancier, poète et philosophe, figure tutélaire de la créolisation dans la pensée contemporaine.

Nos créations explorent principalement des thématiques contemporaines, mises en lumière à travers, par exemple, un accrochage spécifique de nos travaux. Le mur investi devient une œuvre commune. Par une démarche plastique engagée, nous cherchons à rendre visibles et conscientes les problématiques d’un monde globalisé d’aujourd’hui, telles que la liberté d’expression, les enjeux de pouvoir, l’armement, les croyances, les valeurs, la migration, l’écologie ou encore l’immobilisme.

Fort de plus de vingt années de collaboration fondée sur l’ouverture et la tolérance envers le travail de chacun, notre collectif a su développer et préserver une compréhension commune du langage plastique. Nos choix artistiques s’harmonisent, et nos pratiques individuelles renforcent cette dynamique. Nous cultivons des échanges toujours constructifs et engagés, qui nous conduisent à des solutions plastiques communes, plus abouties et efficaces.

Quant à nos œuvres communes, travaux sur la même toile, nous les revendiquons pleinement comme telles et les conservons indifféremment dans nos ateliers respectifs. Lorsqu’une vente intervient, nous partageons les bénéfices.

Il nous paraît évident que notre force réside dans le collectif, bien au-delà de ce que chacun pourrait accomplir exclusivement individuellement. Notre alliance repose sur une liberté mutuelle où rien ne limite rien. Notre engagement se concentre avant tout sur la qualité du langage plastique. Nous tentons de la donner à nos réalisations afin de privilégier l’emploi de médiums picturaux au détriment de la littérature, de l’essai, de la philosophie, voire de l’activisme. Nous envisageons donc de continuer à nous investir dans nos thématiques. Il s’agit pour nous de constituer un manifeste continuel, privilégiant l’action à la réaction.

• Durant la préparation d’un civet.
• Avec l’intention de collecter et montrer les productions/œuvres des personnes qui gravitaient autour de nous. Cela a changé depuis !
• La nécessité de travailler à plusieurs, de partager nos ressources, références et savoir-faire, de nous soutenir et de créer notre propre structure/réseau de manière indépendante pour travailler, produire et présenter notre travail. Créer nos propres opportunités d’exposition (qui sont rares à la sortie d’écoles d’art) et développer notre réseau en organisant notamment une résidence artistique, qui a eu lieu trois étés de suite sur un terrain agricole dans les Alpes (Bocto), ou dans le sud de l’Italie (Panorama).
• D’une envie de créer à plusieurs et de partager avec d’autres.

• Généralement le lieu, l’espace ou le territoire dans lequel on nous propose d’exposer. Celui-ci est au cœur de nos réflexions. C’est en partant de cet endroit, de son architecture, de son histoire ou encore de ce qui le parcourt que nous nourrissons la réflexion et la mise en forme du projet.
• Le lieu, son histoire et son contexte, et ce qu’on y trouve d’intéressant, d’insolite ou d’étrange, tout ce qui est in situ devient matière à créer.
• Effectivement, la question du site (ses caractéristiques, ses particularités, les enjeux et les éventuelles problématiques sociales et/ou environnementales liées à celui-ci) dans lequel va s’inscrire notre intervention est centrale.

• Notre pratique en collectif nous permet de partager des connaissances, des techniques et des méthodes. C’est toujours un mélange de discussions et de travail de la matière. Il est important pour nous de passer par les gestes pour faire évoluer une idée. La curiosité est surement un point assez important. Le processus finit par nous mettre d’accord. Mais, avec le temps, nous communiquons assez bien généralement.
• Nous essayons toujours de nous mettre d’accord, des tensions apparaissent parfois, il faut savoir faire confiance aux autres et lâcher prise lorsque, d’avis général, notre idée n’est pas la meilleure, ce qui est difficile à faire. La force du collectif réside, à mon avis, dans la délégation, dans le fait de faire confiance aux autres et de ne pas avoir besoin d’examiner et de valider chaque petite décision.
• Nos points communs : faire ensemble et bien faire. Nos désaccords : c’est ce qui rend le projet plus riche.
• Nous partageons des valeurs communes en ce qui concerne le travail à plusieurs mains, et nous avons été d’accord dès le début de nous engager dans une exploration et un apprentissage. Ce qui voulait dire travailler en collectif et en autonomie. Cela impliquait, bien entendu, d’apprendre à accepter le fait que nous ne pouvons pas être d’accord sur tout. Et, dans la mesure où nous souhaitons tendre vers une totale horizontalité, il a fallu que nous inventions/développions nos propres outils, nos propres méthodes de réflexion commune. C’est sur cette base partagée qu’il devient ensuite possible d’envisager des installations à huit mains qui nous semblent cohérentes – de notre point de vue, en tout cas.

• Comme un travail fait des gestes et réflexions multiples. Il y a toujours d’autres personnes qui nous ont aidé·e·s via un vieux tutoriel YouTube à qui l’on doit bien ce geste. C’est peut-être plus un assemblage qu’une œuvre en soi.
• Ce qui est intéressant dans le travail collectif, celui dans lequel une œuvre commune émerge, est que celle-ci ne pourrait pas être conçue par l’un.e ou l’autre. Elle naît du groupe, individuellement, aucun des artistes ne pourrait revendiquer la paternité/maternité de l’œuvre. Et le sentiment que l’œuvre ne nous appartient pas entièrement est finalement très agréable, elle permet un détachement salutaire des les choses.
• Le collectif apprend à mettre l’individualité au deuxième plan et à donner un sens plus large à la possession individuelle.
• La question de la signature en nom collectif n’a jamais été problématique, bien au contraire. Ce choix reflète notre volonté de nous éloigner d’une approche individualiste du travail artistique, encore très présente dans les arts plastiques, bien que ce paradigme commence à évoluer. Travailler, réfléchir et signer en collectif nous permet de déplacer l’attention. Il ne s’agit plus d’affirmer une subjectivité singulière, mais de faire place à une dynamique de pensée commune. Cela nous aide aussi à prendre de la distance par rapport à l’objet fini, qui peut alors exister de manière plus autonome, comme le reflet d’un processus partagé plutôt que d’une intention individuelle.

• Pour parler d’abord du passé, à la suite des études, le collectif nous a permis de nous créer nos propres espaces d’expérimentation (résidence Bocto) dans une période où l’on n’avait pas forcément beaucoup d’occasions de présenter notre travail. Il nous a permis de nous donner cette opportunité dans une temporalité où nous avions plus de temps. Aujourd’hui, il s’agit de bien organiser nos agendas respectifs pour être au même endroit au même moment, ce qui est un peu moins simple qu’au début. J’imagine que c’est surtout cela qui définira le futur du collectif, mais, en tout cas, ce qui est important dans ce collectif – ou n’importe quel autre –, c’est que les moments de travail à plusieurs permettent de faire beaucoup évoluer les réflexions, qu’elles soient communes ou personnelles. Ce sont des moments d’apprentissage particulièrement riches. Et puis c’est fun de travailler à plusieurs.
• Nous avançons tant qu’il y a l’envie et la disponibilité et nous essayons de mettre en place des bilans pour partager nos impressions et motivations futures sur chaque projet.
• Tant que la dynamique que nous avons développée convient aux quatre et que nos agendas, ainsi que nos situations géographiques respectives le permettent, nous continuerons à travailler ensemble, d’une manière ou d’une autre. Mais, comme travailler en collectif demande une réactualisation constante de nos intentions et de notre méthodologie, il est difficile, voire peu judicieux, de se projeter trop loin avec une vision trop évidente ou convenue, un but à atteindre, qui risquerait justement de nous empêcher d’explorer de nouvelles directions dans notre manière de travailler, de produire. Puisque nous envisageons ce travail en collectif comme un processus, il s’agit de le laisser se déployer et d’accepter de ne pas tendre vers une finalité. Ce processus est à durée indéterminée, même s’il devait s’essouffler à un moment ou à un autre, cela en ferait partie. Il est important que nous restions résilients face à cette incertitude.

En 2017, David Bregenzer a été invité à réaliser une exposition individuelle dans un offspace à Berne. Six mois à l'avance, il devait déjà définir le titre de l'exposition. Il a opté pour CHIC et pour cette exposition, il a créé le Boyband CHIC en collaboration avec ses amis Jonas Weber et Samuel Rauber. Ce collectif était le prédécesseur du collectif Nostal Chic, qui se compose actuellement de David et Samuel.

Humour, high vs low-culture, Suisse de carte postale, vivre en simulation, cocooning, IA, participation

Nos premières idées naissent d'un échange ludique et humoristique. La mise en œuvre nécessite ensuite un dialogue critique sur la manière dont ce qui a été fabulé au départ peut être développé artistiquement.
Quand nous ne sommes pas d’accord, nous en discutons 🙂

Nous sommes particulièrement intéressés par la recherche artistique sur des thèmes qui nous préoccupent tous les deux. Nous sommes organisés en association et les œuvres appartiennent donc à l'association Studio CHIC.

Le collectif et notre amitié se confondent. Nous souhaitons que les deux se poursuivent encore longtemps.

Après l’expérience de notre collectif Donald (2004-2010) axée sur une pratique curatoriale, nous souhaitions continuer à faire des choses ensemble, échanger de différentes manières et également en dehors du cadre institutionnel.

• art non art
• contre-culture
• musiques expérimentales + extrêmes
• merch
• DIY
• minimalisme
• industriel
• nuit
• etc.
• etc.

L’addition des deux le plus souvent. Quand il y a désaccord, nous discutons jusqu’à ce que nous trouvions une solution qui nous convienne. Et il faut également avoir suffisamment confiance en l’autre pour le laisser faire parfois, car, à la fin, il n’y a pas de « qui a fait quoi », seul le résultat compte.

Le collectif prime et il permet de remettre en question la figure de l’artiste en proposant une autre forme de visibilité plus anonyme. Comme il n’y a pas de « je », ce que fait POST permet de se détacher de la notion d'appropriation individuelle.

On en parle rarement et pas tellement en termes de carrière, mais plutôt d’envies et disponibilités. POST représente depuis le début un espace de jeu temporaire, une zone de rencontre artistique et amicale.

Le collectif est né assez naturellement, juste après l’école d’art. À l’époque, nous avions commencé à travailler ensemble sur un magazine, un projet éditorial collectif qui finalement n’a jamais été publié. Nous étions cinq au départ, puis rapidement trois, puis finalement deux. Mais notre manière de travailler a toujours impliqué d'autres personnes, des temporalités partagées, des échanges, des contributions multiples. Le mot « collectif » est resté parce qu’il reflète cette réalité : un travail qui ne se fait jamais seul, qui s’imbrique avec d’autres, et qui prend en compte ces circulations.

Récemment, notre collectif explore principalement l’économie contemporaine de l’image, ses modes de production, de circulation et de consommation. Nous analysons les effets qu’elle produit sur nos environnements, nos perceptions et nos imaginaires. À travers des vidéos, des fictions spéculatives et des mises en scène d’univers proches du réel, nous examinons l’impact pervasif, aliénant et écologique des images dans nos vies contemporaines.

Travailler en collectif, c’est accepter de discuter, de débattre, parfois de faire des concessions. Ce qui pouvait être difficile au début est devenu une force : le désaccord n’est pas un obstacle, mais le signe qu’une idée peut encore évoluer. Nous avons une sorte de « banque d’idées » commune : certaines sont mises en pause, d’autres reviennent plus tard sous une autre forme. Ce processus demande de la patience, mais il permet de tester, d’affiner, de faire circuler les idées. La collaboration repose sur cette dynamique d’écoute et de transformation continue.

Pour nous, la question de la paternité ou maternité des œuvres ne se pose pas en termes individuels. Le travail est construit à plusieurs niveaux, avec des allers-retours constants, des échanges, des ajustements. Il est difficile de tracer une frontière claire entre qui a fait quoi. Cette circulation fait partie intégrante du processus. Il y a une confiance mutuelle dans le fait que l’œuvre appartient au dialogue, à la dynamique commune, plus qu’à une signature personnelle. C’est une manière d’habiter le travail ensemble, sans chercher à revendiquer des parts. Le nom même de notre collectif traduit cette conception, en soulignant que notre production est avant tout collective et partagée.

Nous envisageons le futur de notre collectif comme une continuité dans l’exploration et la collaboration, en restant ouverts à de nouvelles rencontres, idées et formes de travail. Plutôt que de fixer des objectifs rigides, nous préférons laisser les projets évoluer de manière organique, en nous adaptant aux opportunités et aux enjeux contemporains. Notre démarche collective reste au cœur de notre pratique, et nous souhaitons continuer à expérimenter, partager et questionner ensemble les images et leurs impacts.

C’est venu de manière assez organique. Il m’a semblé évidemment, assez rapidement, que les projets que je voulais réaliser demandaient beaucoup de compétences que je ne pourrais pas maîtriser seul. En même temps, j’avais une idée assez claire des premiers projets d’Apian, j’ai donc simplement invité des collaborateurices en fonction du projet que je développais à un moment précis. Certaines collaborateurices, comme l’anthropologue visuelle Ellen Lapper, l’artiste Laurent Güdel ou encore la biologiste Dorothea Brückner sont devenus des amies et collaborateurices de longue date d’autres sont seulement restés pour un projet. Et d’autres sont encore en développement, comme un récent avec le collectif Fragmentin.

La métaquestion du Ministère des Abeilles, c’est quel lien les humains ont développé avec les abeilles, culturellement, matériellement, à travers l’histoire, et quelle forme ces liens peuvent prendre dans le futur. Il s’agit donc de réfléchir à nos collaborations avec les abeilles, toutes les abeilles, par seulement les abeilles des apiculteurices. Et se demander comment ces relations vont changer dans un monde en feu et à sang. En ce moment, Apian, travaille aussi au développement d’une apiculture socialiste, c’est-à-dire une apiculture qui prend en compte les enjeux sociaux, et surtout les questions matérielles de nos existences en tant qu’apiculteurices et humain.

C’est une question difficile, je crois que plus que les points communs, ce sont les dynamiques de travail qui m’intéressent dans l’approche collective d’Apian. Finalement, que l’œuvre soit « bonne » ou pas m’intéresse moins, que de créer des dynamiques de travail qui soient non-extractives. Une artiste, par exemple, peut intégrer Apian pour un projet et trouver quelque chose qui nourrit Apian, son travail, et qui soit en lien avec le projet commun. Il n’y a pas de recette secrète et pour l’instant je dois dire que je suis toujours venu avec un projet précis en tête. C’est-à-dire que je n’ai pas encore vraiment donné la direction curatoriale complète. En même temps, vu qu'on se concentre plus sur les dynamiques de travail et une passion commune pour les abeilles, que sur la pièce finale, ça permet d’éviter pas mal de problèmes, j’ai l'impression.

Très bien, je dois dire. Ce qui m’intéresse, c’est de développer Apian et faire des œuvres qui servent tant les abeilles que les gens avec qui je travaille. Avoir un alias c’était aussi casser le mythe de l’artiste génie. Chaque œuvre est un travail collectif, on peut le nier ou le mettre en avant, et c’est finalement un choix politique.

Je suis toujours très excité de développer ce Ministère donc, pour l’instant, le rythme me convient bien. Idéalement, j’aimerais beaucoup que le collectif prenne racine quelque part et s’étende à des apiculteurices, et actrices locales. J’aimerais beaucoup voir des projets du Ministère prendre forme dans lequels je ne participe pas ou alors pas totalement.